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郭娟/文
去看常青画廊最近的展览最好选个晴天，法国艺术家丹尼埃尔·布伦(Daniel Buren)花了一个礼拜的时间和工人们在画廊底层搭建起了一个有彩色房顶的屋子，而画廊本身一面墙上的玻璃也被贴上了各种颜色的滤光纸，日光穿过玻璃，室内光影游戏，同时借助于镜子的反射变得更为复杂；而随着一天内光线的变化，这些映照在墙上、地板上的色块也在不
停地发生位移，色和影都处在缓慢的流动之中。
但这一切在丹尼埃尔·布伦进入画廊空间之前甚至连个头脑里的简单构想都不是，一切都开始于他进入画廊的一刻。在这种工作方式下，“现场制作”成为了丹尼埃尔·布伦每个作品上张贴的标签。于是有人说给丹尼埃尔·布伦办作品回顾展是异常困难的，因为大部分的作品都和背景环境密切相关，展览结束后便成了“绝版”。他本人在1988年出版的《纪念照》一书中也说，资料照片仅仅提供了一种作品存在过的“证据”，而作品本身则是无法保存和再现的。无论是开放的公共环境还是画廊，“位于现场”对于丹尼埃尔·布伦来说都是必须坚持的，他曾经说：“我一直认为应当看到自己完成作品的重要性……惟一可能监督我工作的方法，就是我出现在作品完成的所有地方，并且自己完成，除非需要别人帮助。我承认这种立场有些浪漫，但是我坚持。”不同于“观念艺术”这个名头所暗示的，丹尼埃尔·布伦的创作从不是单纯的头脑风暴或者图纸，他相信工具和身体力行。
相对于“观念艺术”概念的费解，被称为“观念艺术家”的丹尼埃尔·布伦的作品对于普通观众来说也是易于辨认的——白色条纹、鲜艳的色调、镜子和光线下达到的“奇幻”效果。标志性的间隔8.7厘米白色条纹的参与来自偶然。经过了年轻时代普罗旺斯风景绘画和墨西哥壁画的学习时期，丹尼埃尔·布伦的创作开始表现出了背离传统概念的倾向。六十年代的丹尼埃尔·布伦在市场上寻找创作材料时发现了条纹床单布，之后一段时间内，床单布和麻布片成为了他绘画的载体，这也是他“零度绘画”的开始，从此这种简单重复的条纹图案进入了他的创作并成为一个重要的表达手段。再后来他干脆走到街道上，开始尝试各种材料，渐渐远离了单纯的绘画。
对于几十年创作中条纹元素的应用是否落入形式主义窠臼的质疑，丹尼埃尔·布伦说，条纹作为一种“视觉工具”本身是一成不变的，但随着所处时间、空间的转换而有了不同的意义，这一视觉工具或许还会蔓延几十年，或许明天就迅速腐朽消失，它是途径而非目的。而颜色在丹尼埃尔·布伦眼中则是神秘和难以描述的，他反感传统学院派艺术里对于鲜艳颜色的偏见和疏远，“肆意”地将它们用在作品中，虽然有人开始讥讽他的装饰效果是工匠活儿而不是艺术。在常青画廊的二层和三层，丹尼埃尔·布伦的几个小型作品中，观众也可以看到明亮的黄、橙、蓝、绿等颜色的使用。
其实丹尼埃尔·布伦早在1977年就第一次在中国展出作品——出现在友谊宾馆某个房间墙壁上的《一个分为两部分的作品，在不同的墙壁上》；近两年在中国的展出开始增多——2004年10月天坛的《从天空到天坛》，11月济南的《红装城市》，2005年天津泰达的《红色界限》，杭州中国美术学院的《三种混合的色彩：混合与打开的小屋》。对于这样一位“位于现场”的艺术家和不可能“再版”的作品，观众最好去拜访现场和亲自体会。我的私人体验是，二楼的那个两层叠加的作品的投影让我无可避免地想到冲洗中的胶片和蒙德里安。
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丹尼埃尔·布伦：《献予的色与影》 现场制作及位于现场
北京常青画廊(朝阳区酒仙桥路2号 798工厂大山子艺术区)
电话：64364464
2006年1月14日至3月26日
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