第一，要弘扬中华民族美学精神。一切评判艺术作品优劣的最高标准，都在于看它是否能够感染人，是否能够使人达到“畅神”的审美境界，提高人们的审美情趣和道德标准。中华民族美学具有精深性、丰富性和先进性。早在两千多年前《易经》提出的“刚健、笃实、辉光”(上经之四·大畜)，犹如不灭的灯塔，照亮了我国文艺发展的整个航程。文艺作品要反映“天行健，君子自强不息”的气概，要有笃实的内涵，以及与反映作品内容相适应的完美的艺术形式，“以此日新其德”。汉唐雄风、魏晋秀骨、两宋情怀，可作如是观。今日的中国画，也应如此。

　　第二，要有笔墨基因。说“笔墨等于零”，这是对中国画的调侃。没有笔墨，就没有中国画——正如没有色彩，也就没有西洋画一样。实际上中国画的创新，应该还是中国画，不能丢掉笔墨基因。中国画这棵“老树”“发”出新枝，需要吸收到多种必要的营养，其中也包括借鉴、融合域外造型艺术的优点。

　　以晋唐之间人物画为例，顾恺之“屈铁盘丝”线描之法，源自西域；张僧繇用色晕染凹凸之风，也本自西方；曹仲达“曹衣出水”的“曹家样”，得益于天竺佛教造像。上述画家的做法，不是抛弃了中国画的笔墨，而是丰富了中国画笔墨的表现技法。这是一种经过千余年创作实践，所证实的，仍然可行的成功的经验。

　　第三，要有独自的风格特征。中外艺术史，从一定意义上来说，都是一部艺术风格演变史。一件美术作品之所以叫做“创作”，就是因为这件作品从构思到艺术表现，具有独创性、唯一性、不可重复性。于意境、置陈布势、形象、色彩、笔墨等方面，展现了新的美学秩序。就宋代山水画而论，北宋荆浩、关仝、董源、巨然笔下丰实郁勃，气势沉雄；南宋李唐、马远、夏圭等空灵含蓄，清疏幽逸。北宋的丰实与南宋的空灵，构成了中国山水画最高境界的两元，是中国山水画史上尚不可逾越的高峰。上述所有画家各自的艺术风格，都是非常鲜明的。

　　明至清初，青藤、八大以其独特的手眼，把花鸟画发展到了新阶段，使笔墨得到了空前的解放。石涛主张“搜尽奇峰打草稿”，在他的作品中，涌动着无限的激情。所以说，创新精神是推动艺术发展的动力。墨守成规，拜倒大师们下站不起来，必将导致艺术的衰落。若只是依样画葫芦，在前辈画家作品中讨生活，毫无自己的艺术面貌，并以此大肆炒作，这样做或可达到追逐名利的目的，但与真正的创作无关。

　　齐白石说“学我者生，似我者死”，当为警世语。

　　愿中国这棵老树发出更多新枝，充满勃勃生机。

　　记：美术创作可以真正地“远离现实”而纯粹地“表达自我”吗？

　　嘉宾：歌德曾经讲过:"要想逃避这个世界，没有比艺术更可靠的途径:要想同世界结合，也没有比艺术更可靠的途径。"自从我国进入社会主义现代化建设新时期以来，有许多中国画家纷纷投身于现实生活中，描绘祖国的大好河山，塑造社会主义的新人形象，创作了一批批具有民族性、人民性、革命性的好作品，激励了广大人民积极进取、发奋图强的精神。就北京的中国画家而言，李可染、周思聪、白雪石、王明明等人，都以自己的作品赢得了观众的尊敬。但是我们不能不看到，也有一些中国画家，在中国画价值观的问题上，提出了截然相反的主张。他们认为，真正的中国画应该"毫无功利色彩"，艺术家在作画中必须"远离现实"、"表现自我"、"注重情感的渲泄"追求内心的真实性"。在这神思想影响下，有的中国画家离开了亿万人民从事四化建设的伟大实践，把艺术创作变成了视觉游戏，在作品中表现了悲观的情绪、对人生的迷惘以及低级的格调。站在这些作品的面前，使人感到困惑，看不懂作者画的是什么:又使人感到忧虑，因为作者以丑为美，歪曲了现实的生活。